| visiteur | note |
| Manolo | 5 |
| Macho-Mani | 4.75 |
| Kokoro | 4.25 |
| jep | 4.25 |
| k-chan | 4.25 |
| chronofixer | 4 |
| Cuneyt Arkin | 4 |
| Omerieux | 4 |
| Mounir Alaoui | 4 |
| Mounir | 3.75 |
| Alex Z | 3.75 |
| JoHell | 3.5 |
| Tred | 3 |
| Miyuki | 1 |
Situé, dans la filmographie du réalisateur, entre Goshu le violoncelliste et le fameux Tombeau des lucioles, cet animé de 1981 raconte l’histoire d’une famille japonaise dans un Osaka contemporain (il se rapproche en cela de Mes voisins les Yamada, sans toutefois traiter les mêmes problématiques). Kié est une petite fille espiègle et débrouillarde, vivant seule avec son père (sa mère ayant quitté le domicile conjugal en raison de l’irresponsabilité de ce dernier). Son entrain et son bon sens lui valent d’être appréciée de tous, sauf de ses camarades de classes qui en font leur souffre-douleur en raison de ses mauvais résultats scolaires. Toujours dynamique, elle n’en est pas moins profondément affectée par la séparation de ses parents – le cœur de ses problèmes – et œuvre en secret pour leur réconciliation. L’héroïne réussira-t-elle à gérer ces questions d’adultes, et à s’occuper du restaurant familial, sans sacrifier sa vie propre ?
Le film se découpe en plusieurs scènes de vie quotidienne, faisant apparaître de nombreux personnages – du yakusa repenti à l’instituteur tyrannique – d’importance inégale mais tous truculents. Parmi ceux-ci, le père a une place prépondérante. Brute épaisse, feignant et joueur invétéré, il est le « mauvais exemple » parfait pour la petite Kié qui, par réaction, se montre responsable et intelligente. Ce personnage du père est, dans le film, à la fois source de comique (sa balourdise est touchante) et de tragique (c’est son égoïsme incroyable qui provoque l’échec de son couple, et les difficultés scolaires de Kié). A la longue, le spectateur se lasse cependant de ses maladresses et de son absence de jugeote : le personnage apparaît irrécupérable, et voué à être source de malheur et d’inquiétude pour ses proches.
Autres personnages principaux : les chats, et notamment celui de Kié. Dans le film de Takahata, ces chats parlent et marchent comme des humains, et peuvent devenir de véritables machines à tuer. On ne peut ici que signaler l’obsession du réalisateur à montrer les testicules de ces bêtes adorables mais dangereuses : plus que des gags à répétition, lesdites choses viennent même, à un moment donné, au cœur de l’intrigue. Ce qui est drôle de prime abord apparaît ensuite lourd et lassant ; du moins cela participe-t-il au caractère atypique – voire surréaliste – de cet animé.
De prime abord, le graphisme de Kié semble suranné et sans grand intérêt. Mais un tel jugement serait par trop hâtif et injuste, pour plusieurs raisons. Il est certes incontestable que l’animation ne disposait pas en 1981 des moyens actuels. Cela n’empêche au réalisateur de faire preuve d’une certaine originalité (en incluant notamment une scène du film Le fils de Godzilla, destinée à servir d’illustration métaphorique des rapports parents/enfants).
De plus, il ne faut oublier que Kié la petite peste est avant tout l’adaptation d’un manga papier d’Etsuji Haruki. Le réalisateur et les responsables de l’animation se devaient donc de respecter l’œuvre première. Comme nous l’explique Isao Takahata, « dans le cas de Kié, la petite Peste, le traitement narratif et graphique de monsieur Etsuji Haruki est tellement étonnant que la fidélité demeurait l’approche la plus sensée ».
Enfin, on ne peut douter que la sobriété du graphisme participe à l’ambiance générale du film. Les longs métrages d’Isao Takahata font rarement preuve d’exubérance sur ce point. Même si ce dernier ne se charge que de la mise en scène et non de l’animation à proprement parler, cette caractéristique est en quelque sorte sa « marque de fabrique ». Il est en effet l’un des chefs de file du courant « réaliste » de la japanimation. Ce réalisme se manifeste tant dans le scénario – Takahata traite essentiellement de la vie quotidienne des gens, plus que d’histoires fantastiques – que dans le style du dessin. La simplicité du graphisme semble donc non pas subie, mais voulue, car en adéquation avec l’histoire.
Mais en définitive, Kié la petite peste se démarque surtout par sa tonalité générale. Le scénario reste un modèle du genre, pour plusieurs raisons : comme cela a déjà été signalé, le comique côtoie le tragique sans qu’il soit toujours possible de les dissocier. La question des familles monoparentales est traitée de manière originale et sensible. Le personnage de Kié ne ressemble en rien aux héroïnes de Miyazaki, parce qu’elle apparaît à de nombreux égards plus responsable que les adultes qui l’environnent : cette histoire n’est donc pas à proprement parler un récit initiatique (si ce n’est, peut-être, par rapport au père, qui aurait bien besoin d’évoluer et de grandir un peu…). Le thème de l’enfance est traité d’une manière qui se rapproche davantage du Tombeau des lucioles (sur un ton bien plus léger cependant) : la petite Kié, abandonnée à elle-même par ses parents, doit en effet apprendre à se débrouiller toute seule, quitte à devenir adulte précocement et donc à être marginalisée par rapport aux jeunes de son âge.
L’atypisme de Kié en faisait, en 1981, un pari osé. A une époque où les mangas sportifs étaient à la mode, ce long-métrage faisait un peu figure d’extra-terrestre, par la gravité des thèmes abordées et par la volonté de lier inextricablement comédie et tragédie. Mais c’est précisément ce particularisme qui donne au film tout son attrait, comme nous l’indique Yasuo Ôtsuka, directeur de l’animation : « personnellement, ce qui m’a séduit dans Kié, c’est qu’il s’agissait réellement d’un film à contre-courant. (…) Kié, la petite Peste ne rentre dans aucun cadre. C’est un film qui raconte plusieurs histoires d’une clarté exemplaire, mais qui parvient pourtant à échapper à la catégorisation ».
Ce qui n’est plus tout à fait vrai car, en voulant se détacher des catégories existantes, l’équipe participa ici à créer un nouveau genre, le manga comico-réaliste à dimension sociale, qui ne cessera de se développer au cours des années suivantes…
Une autre spécificité du film doit enfin être mentionnée : Kié, la petite peste se veut être une présentation quasi-sociologique de la ville d’Osaka, de la mentalité de ses habitants. Bien que la description de la ville soit moins détaillée dans le film que dans le manga d’origine, le réalisateur souhaitait conserver cet aspect de l’œuvre de Haruki : ainsi, pour pousser le réalisme, Isao Takahata a spécialement engagé des doubleurs provenant de cette ville. Néanmoins, ces considérations ne peuvent que nous échapper, pour des raisons culturelles et parce que le doublage français ne peut retranscrire ces nuances.
Les résultats du box-office japonais sont en tous cas évocateurs quant à l’importance de cette dimension du film : le succès fût en effet tout à fait mitigé à Tokyo, où règne une certaine aversion à l’égard de la langue et de la culture d’Osaka. Au contraire, Kié a bénéficié d’un très bon accueil dans la région d’Osaka, ce qui tend à démontrer que la peinture sociale de la ville a été effectuée avec fidélité. En tout état de cause, le succès global de Kié permit largement de le rentabiliser, et d’inciter les studios à produire une série de 64 épisodes autour du personnage, dont certains furent réalisés par Isao Takahata lui-même.
Après la période d’apprentissage classique au sein de la Toeï et la succession de séries TV - au sein de Nippon Animation dans une seconde période- devenues aujourd’hui des références en tant qu’adaptations animées de classiques occidentaux de la littérature pour enfants (Heidi, Chien des Flandres, Marco...) et réalisés en compagnie –entre autres- de Miyazaki, Chie marque avec Gauche le Violoncelliste, sorti la même année mais produit dans des conditions bien plus artisanales, la réelle émergence thématique et formelle de Takahata. Horus avait tout de l’œuvre manifeste d’une génération, d’une école, d’un groupe de compagnons et en tant que tel était traversé d’un souffle épique. Chie, même s’il s’agit d’une œuvre de commande, procède d’une démarche beaucoup plus intime traversée de respirations -l'humour- lui conférant toute son humanité et son humilité.
La parenté entre Chie et Mes Voisins les Yamada est immédiate par plus d’un aspect : ces deux films outre leur sujet commun -le quotidien d’une communauté humaine à travers l’histoire d’une famille- sont des exercices de styles, des adaptations en anime de mangas à fortes personnalités graphiques et qui illustrent au mieux l’éclectisme dont a fait preuve Takahata (qui ne dessine pas) sur ce terrain tout au long de sa carrière. Ici le dessin tout en rondeur de Kotabe et Ôtsuka fait merveille en restituant de façon très vivante et organique, aussi bien dans le character design que dans l’animation des personnages, l’univers populaire de la petite Chie. Et si le regard du réalisateur se veut tendre il ne se fait jamais attendrissant, adoptant une certaine distance dans sa mise en scène alors que l’histoire de la séparation des parents de Chie aurait pu glisser dans le dramatique.
Sur ce terrain aussi Takahata ne se départit pas de sa démarche « réaliste » et à travers les scènes du quotidien de Chie s’esquisse des portraits d’individus aussi attachants les uns que les autres et dont on prend congé, à la fin du film, avec une pointe de nostalgie. Mais le réalisme des caractères ou des situations ne veut pas dire absence de fantaisie (on devrait d’ailleurs plutôt parler « d’humanité » des caractères et des situations) comme l’attestent les personnages des chats –histoire dans l’histoire aussi passionnante que tout le reste- et leur conflit « viril » et mortel (ponctué de défis et de combats) autours d’une paire de testicules ... Un film riche à tous points de vue.